Hawái.


413. Idleness, Endlessness + Prelude
noviembre 1, 2015, 2:00 pm
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Iddleness, Endlessness + Prelude 02

YANN NOVAK
»Idleness, Endlessness«
DRAGON’S EYE. 2015
»Prelude«
ÉTER. 2015

“I have often wondered whether especially those days when we are forced to remain idle are not precisely the days spend in the most profound activity. Whether our actions themselves, even if they do not take place until later, are nothing more than the last reverberations of a vast movement that occurs within us during idle days”. Un ruido en expansión traspasa la atmósfera leve, anotaciones inconclusas atraviesan el espacio dejando rastros de luz incandescente y transparente, un ambiente inmersivo de texturas diáfanas. El sonido de la vida exterior se confunde con pequeños trazos sintéticos insertos en la amplia linealidad auditiva, formas abruptas que constituyen configuraciones espaciosas de materialidad inaprensible. El territorio apartado y sus efectos climáticos arrastran consigo ventiscas y armonías indefinidas, estructuras indescifrables que convergen en tramas orgánicas y superficies electrónicas, un sistema abierto de fragmentos artificiales y prolongados desarrollos, creando un hermoso paisaje de estruendos integrales. Estos parajes dilatados habitan momentos deshabitados, lugares y tiempos vacíos que ocupan algunas horas del día. Construyendo extensos desarrollos de sonidos cristalinos, el norteamericano Yann Novak crea obras donde la música se traslada con un ritmo pausado, imágenes estáticas de minimalismo sintético. Un complejo ruido inmóvil dónde confluyen fotografías, tonos difusos, naturaleza quieta, grabaciones ambientales y notas infinitas. Una visión del arte que se extiende, en cierta medida, a la plataforma que dirige. Sus trabajos han sido publicados por varios sellos alrededor del mundo (INFREQUENCY, smlEditions, Henry Art Gallery, LINE, Koyuki, Hibernate, WHITE_LINE EDITIONS, murmur, Farmacia901, taâlem), pero, principalmente, a través de su propia plataforma, Dragon’s Eye, el mismo que publica “Snowfall” (Dragon’s Eye, 2014) [301]: “No es fácil describir el estado material en que se encuentran sus partículas de audio, pues pareciera que existe una tensión permanente oculta bajo un manto de mutismo. Como en sus otros trabajos, existe una linealidad, pero una linealidad que es solo aparente, pues bajo esa movilidad estática se suceden cambios imperceptibles, difíciles de apreciar. No obstante, esta obra presenta como en ninguna otra una multitud de pequeños detalles que afloran a medida que se van removiendo las capas exteriores. Las notas que parecen no serlo se cubren de minúsculas manchas blancas, polvo que ensucia la nitidez que se arrastra progresivamente, hermosas imperfecciones que van enterrando los tonos neutrales en el suelo débil. La claridad acostumbrada es ahora un lugar difuso, y las superficies ambientales ven como su estructura se contamina de fragmentos orgánicos… El agua cristalizada que cae sobre el frío suelo y las rocas impregnadas de humedad también alcanza al sonido prístino de “Snowfall” y su panorámica invernal”. Un impecable trabajo que no es el último del músico de Los Ángeles. Después de aquel editó “Liminality” (Dragon’s Eye–Farmacia901, 2014) [354], junto a Fabio Perletta. Al igual que este, su nueva obra, la más extensa, es solamente una edición digital, planos continuos de energía quieta.

“A menudo me he preguntado si especialmente los días en que nos vemos obligados a permanecer inactivo no son, precisamente, los días que pasan en la actividad más profunda. Ya sea que nuestros propios actos, incluso si no tienen lugar hasta más tarde, no son más que los últimos ecos de un vasto movimiento que se produce en nuestro interior durante los días inactivos. En cualquier caso, es muy importante estar inactivo con confianza, con devoción, posiblemente incluso con alegría. Los días en que incluso nuestras manos no despiertan son tan excepcionalmente silenciosos que apenas es posible elevarlos sin escuchar mucho”. Rainer Maria Rilke, “Letters on Life”. En ese silencio excepcional surge una música que interviene la tranquilidad de manera leve, un sonido homogéneo que se desplaza sin modificar el sosiego del entorno. Las composiciones de Yann Novak normalmente utilizan el espacio y la luz natural, por medio de circuitos que interpretan y transmiten esa realidad asombrosa. Novak hace suyo ese estado original a través de sus creaciones suspendidas, extensos minutos dentro del panorama visual. Hace solo unos meses Dragon’s Eye, el sello fundado por su padre cumplió diez años desde que Yann lo reactivó, generando un punto de encuentro para diversos artistas que comparten algunas de sus ideas, así como perspectivas diferentes, siempre dentro de una misma línea, “a foster personal and artistic relationships with its artists as well as its audience, and to function as a meeting ground for like minded individuals”. Una especie de celebración es este último trabajo del artista norteamericano, una manera de marcar un punto en el calendario que indica lo mucho que ha avanzado, de manera sencilla, este label dedicado al arte sonoro. “Dragon’s Eye Recordings se complace en anunciar el lanzamiento de ‘Idleness, Endlessness’ por el director del sello Yann Novak. ‘Idleness, Endlessness’ es una descarga digital a precio especial para ser lanzada en el décimo aniversario desde que Novak se hizo cargo de la etiqueta de su padre Paul Novak. ‘Idleness, Endlessness’ explora el trabajo, el ocio y el compromiso en composiciones de dos horas de duración”. Edición digital ilimitada, este álbum de Yann Novak explora las ideas que inundan su obra aunque, sin embargo, en esta ocasión se puede apreciar una mayor rugosidad, un carácter más escarpado debido a lo materiales empleados en su generación. De todas maneras, se logran distinguir los aspectos característicos en sus composiciones, estructuras artificiales producidas junto a medios naturales, un ruido que se desplaza de modo constante por el aire, con variaciones internas que aparecen como no distinguibles si es que se observa desde dentro. Electrónica mínima y variaciones que se adaptan al clima externo. “El material de partida para ‘Idleness, Endlessness’ se recogió mientras asistía a una residencia artística en Parkfield en septiembre de 2012. Parkfield es un refugio único donde los artistas invitados no tienen la obligación de crear trabajo, o cualquier otra cosa más que sus propias comidas cada día. Esto crea una situación única para la contemplación y la reflexión. El material se compone de tonos sintetizados y estática de radio recogida en un sintetizador portátil, y una sola grabación de campo del viento. Desde 2012 a 2015 este material fue procesado en el estudio y utilizado en actuaciones en directo. Las composiciones finales se crearon a través de la improvisación con la inserción de períodos de 5 minutos de inactividad cada 15 minutos, simplemente para contemplar a donde la pieza había llegado y hacia donde debía ir. ‘Idleness, Endlessness’ está compuesta de manera que las dos piezas podrían reproducir hacia atrás y en un loop creando una experiencia de escuchar todo el día separado del compromiso que demanda la música más tradicional”. “Idleness, Endlessness” son tan solo dos piezas, cada una exactamente de una hora, ensambladas durante un período de tres años en el cual se acomodan las diferentes capas que forman su estructura. Yann Novak crea una música que avanza por el terreno con lentitud, sonidos generados de manera artificial que se trasladan pausadamente a través del espacio, emitiendo un resplandor eléctrico tenue en medio del contexto natural. “Idleness, Endlessness”, extensiones de ruido delgado filtrados por la atmósfera densa, trayectos interminables de fluidos energéticos que traspasan la materia, cruzando el campo horizontal con su brillo traslúcido. Una única grabación de campo se desenvuelve durante todo el transcurso de estos registros, el viento, las aves y la geografía del hemisferio norte deja caer sus estruendos aislados junto con las delicadas fibras ópticas. “Idleness”, en cierta medida, se somete a la atmósfera vital de los parajes apartados, insertando sus superficies leves en las corrientes de California. “Endlessness”, al contrario, intercala esos movimientos en la dinámica sintética. Sin embargo, esta es solo una percepción, pues en ambas piezas es posible apreciar diferentes estados, fases por las que atraviesan los sonidos y que pueden coincidir en distintos momentos, lugares de inactividad y contemplación. Ese lugar de observación de lo que rodea a un recinto específico es también el emplazamiento dónde ocurren otras formas sonoras, contenidas en un trabajo de dimensiones más reducidas pero que, igualmente, se propagan de manera ilimitada. “Prelude” es un CDR de tres pulgadas publicado por Éter, un álbum breve en el cual se logran apreciar componentes similares pero de contextura diferente, lo que finalmente determina el resultado final. “Prelude” es un trabajo en que la atmósfera se sumerge en el reduccionismo desarrollado por Novak, sonidos externos que se convierten en estrechos pasajes de resonancias mínimas. ‘Prelude: San Marino’ surgió como un site-specific performance comisionado por HomeLA para presentarse en una residencia privada en San Marino, California. La pieza está basada en una grabación de campo capturada en el patio trasero de la residencia y fue interpretada desde el corazón. El performance fue pensado para crear un espacio donde los sonidos del entorno y el visitante a la casa pudieran mezclarse durante la apertura del evento. ‘San Marino’ aparece aquí como un compuesto de los tres performances en HomeLA: San Marino y está pensado para escuchar en casa”. Veintiún minutos y veinte segundos en una pieza única. ‘San Marino’, un trayecto amplio en el cual convergen sonidos capturados junto con el despliegue digital de Yann Novak, un panorama radiante de notas que reflectan la energía solar, la incandescencia lumínica que traspasa los bordes de la materia, estruendos minúsculos que expresan los eventos más ínfimos que acontecen en un determinado sitio y momento. ‘San Marino’ es una hermosa composición de gradaciones auditivas próximas, fragmentos esparcidos y reverberaciones microscópicas que se concentran en una extensión tonal.

“The last reverberations of a vast movement that occurs within us during idle days”. Cubriendo áreas habitadas por pequeñas fracciones de sonido, el artista norteamericano estructura sistemas auditivos dónde las notas se desplazan lentamente, partículas ínfimas dibujando trayectos lineales. Yann Novak desarrolla espacios en los que armonías se expanden de manera infinita. “Idleness, Endlessness”, extensiones climáticas de resonancias naturales. “Prelude”, segmentos de ruido de tonalidades eléctricas, acústica horizontal de tonalidades iridescentes.

www.dragonseyerecordings.com, www.eter-lab.net, www.yannnovak.com
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412. Doze Ruínas + Deining + Halfslaap II Live
noviembre 1, 2015, 12:20 pm
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Rutger Zuydervelt 01

Doze Ruínas + Deining + Halfslaap II Live 02

GONÇALO ALMEIDA & RUTGER ZUYDERVELT
»Doze Ruínas«
CYLINDER. 2015
MACHINEFABRIEK with ANNE BAKKER
»Deining«
2015
»Halfslaap II Live«
BASTAKIYA TAPES. 2015

Energía eléctrica en trayectos subliminales, impulsos de fuerza tenue que generan pequeñas alteraciones dentro de extensiones inmóviles, un tono en traslación constante alrededor de un mismo punto. Campos magnéticos y acústica leve desplazada sobre una superficie lineal de armonías sintéticas, mientras objetos infiltrados producen detonaciones sutiles en la panorámica ambiental. Machinefabriek es el alias de Rutger Zuydervelt. “La música de Rutger combina elementos ambient, noise, minimalismo, drone, grabaciones de campo y experimentos electroacústicos. Sus piezas se puede escuchar como un intento de crear ambientes sonoros para el oyente para habitar. Encontrando tensión en la textura, el tono y el momento, el resultado puede ser muy minimalista a primera vista, pero se revela a sí mismo en una escucha más cercana. El diablo está en los detalles”. Rutger Zuydervelt, músico nacido en Apeldoorn en 1978 quien, desde el año 2004, viene publicando piezas en diferentes formatos, con diferentes artistas afines. Un número importante de álbumes realiza de manera constante, trabajos donde explora las distintas formas que puede adoptar el sonido, dejando rastros en el camino de sus investigaciones sonoras. Este año, como el anterior, y así hasta el comienzo, han aparecido diversos trabajos, la mayoría desarrollados junto a otros músicos que incorporan matices distintos a sus recursos en expansión.

Líneas abiertas y formas impredecibles crean imágenes de trazos que se cruzan, notas esparcidas sobre un plano sin bordes. Una de las maneras que últimamente emplea el músico neerlandés para desarrollar sus sondeos auditivos es a través del contacto con otras personalidades, individuos que normalmente incorporan materias primas de carácter orgánico a sus sistemas eléctricos, cuerdas que atraviesan maquinarias y circuitos. “Gonçalo Almeida is a Portuguese bassist, but lives in Rotterdam, Netherlands, playing double bass in variety of projects that go from modern jazz, free jazz, jazzcore and free improvisation music”. Uno de los múltiples encuentros de Zuydervelt tiene lugar esta vez con un músico venido desde las costas del Atlántico europeo, ahora residente en los Países Bajos. Gonçalo Almeida, instrumentista con trabajos para Creative Sources, Clean Feed y Cylinder. El músico portugués despliega notas que brotan de manera espontánea, sonidos naturales ejecutados por su cuerpo que forman posteriormente parte de las configuraciones de Zuydervelt, armonías imprevistas que se cruzan con delicadas rectas de luz. ‘Doze Ruínas’ presenta doce pistas breves creadas por el dúo de Rotterdam del contrabajista Gonçalo Almeida (con varios lanzamientos en Clean Feed) y el artista sonoro Rutger Zuydervelt (también conocido como Machinefabriek). Las improvisaciones de Almeida fueron editadas y esculpidas (con desechos electrónicos agregados) en una serie de viñetas agudas y feroces. Todo esto fue hecho en una velocidad ridículamente rápida con el fin de mantener las cosas en bruto y espontáneas ¡Son dieciocho minutos de bulliciosa diversión!”. Almeida elabora una serie de registros improvisados, estructuras libres en las cuales los acordes se expanden sin un orden establecido, desde la calma a la furia, desde superficies tersas y brumosas a un caos incontrolable, del ruido ensordecedor a delicados trazos. Todas estas figuras de dimensiones reducidas son posteriormente procesadas por Rutger –“processing, additional sounds”–, un sistema que deconstruye los rastros originales aún más, conservando intacta la naturaleza áspera. Las cuerdas del contrabajo se interponen en los estrechos túneles generados de manera artificial, una composición sintética que incorpora partículas de polvo en las marcas reales, creando una aleación mineral de detonaciones eléctricas. Construido entre julio y septiembre de este año, “Doze Ruínas” es un trabajo temporal, doce piezas sucintas en las que es posible apreciar la manera cómo trabaja Rutger, editando las grabaciones originales hasta elaborar una materia diferente, preservando ese tono espontáneo que ese creado por Almeida. Este fabrica un conjunto de polifacéticas líneas, hermosas formas fulminantes, melodías repentinas entrelazadas en tramas imposibles de descifrar, texturas abruptas y superficies tersas, facetas diversas que pasan de un estado a otro, partituras bipolares luego terminadas de ensamblar por Rutger,  reimpresiones que adhieren elementos, incorporando su propio sonido a los cuerpos extraños. El producto de la unión de formas crea paisajes fugaces de electrónica acústica. “Doze Ruínas”, tramas orgánicas e incrustaciones digitales. Almeida y Zuydervelt edifican estas doce ruinas de estruendos integrados, resonancias naturales sistematizado en hermosos fragmentos de concreto.

Ondas auditivas planeando en el espacio, estruendos que se repiten de manera desigual en el aire, modificando la estructura del tiempo. De nuevo Machinefabriek recurre a sonidos externos para poder realizar sus exploraciones, en esta ocasión con alguien con quien ha colaborado en más de una vez, con la joven músico neerlandesa Anne Bakker. Con ella publicó “Koploop” (2007), junto también a Greg Haines y también “Fabriek Bakker Fabriek” (2008), acá junto a Leo Fabriek. Ahora Bakker se vuelve a cruzar con Machinefabriek para expresar una composición suya, un largo desarrollo de sonidos flexionados. “Deining”, álbum mediano en el que trenzan una enorme cantidad de fibras delgadas formando una unión variable de notas. “La palabra holandesa “Deining” se traduce como “tirón” y también “conmoción”. Para ‘Deining’, le pedí a la violinista Anne Bakker arquear cada cuerda de su instrumento mientras se deslizaba lentamente desde la nota más baja a la más alta, en exactamente cinco minutos, tan fluido como fuera posible. Obviamente, resultó casi imposible hacer esto realmente sin problemas, pero las irregularidades inevitables son bienvenidas. Anne también registró el mismo procedimiento a la inversa, siguiendo las cuerdas desde el borde del diapasón a la tuerca superior del instrumento. La pieza se divide en cuatro secciones, cada una centrada en una cuerda, y extendiendo capas de sus grabaciones. El glissando ascendente y descendente forma fluctuaciones constantes, complejas combinaciones de tonos, enfatizados por ondas sinusoidales controlados manualmente que siguen los tonos del instrumento. En el centro de cada sección de cinco minutos, los violines y senos golpean la misma nota, que luego se “congela” y continúa como un drone independiente y constante durante la duración de la pieza. Las notas finales bajas de cada parte también se llevan a cabo, añadiendo una capa extra y tocan un drone de un minuto de duración calmo antes que la siguiente sección comience. Alguna sutil estática de radio y grabaciones de viola de tonos agudos  se añadieron a la mezcla para darle más sabor. El sabor es todavía un poco amargo sin embargo”. El violín y la viola de Bakker es intervenido por Zuydervelt, un tratamiento sutil que estructura las grabaciones originales. “Deining” es una sola pieza de veintiséis minutos, un espacio de tiempo en el cual las armonías atraviesan por distintos estados, cambios en las corrientes que generan una masa de ruido envolvente, como si fuese una onda aérea transitando por pistas imaginarias. Drones fluctuantes producen una sensación extraña, puntos quietos que se desplazan permanentemente en la superficie congelada. Anne Bakker interpreta unos apuntes que parecen inmóviles pero que en realidad están en un descentramiento constante, avanzando desde un extremo originando delicadas figuras. Sobre eso Machinefabriek edita las sonoridades curvas, seccionando fragmentos hasta crear un extraordinario desconcierto de líneas monocordes. “Deining” es una maravillosa trama de sonidos consternados, trazos convexos formados por miles de fibras delicadas. Machinefabriek y Anne Bakker crean armonías en transición permanente sobre un eje imaginario, acústica natural y resonancias discretas formando una materia indescifrable de notas estáticas trayectos indefinidos. Esa materia, sin embargo, no es la única que ha sido publicada en esta temporada. En marzo reciente aparece a través de Bastakiya Tapes, un sello de los Emiratos Árabes Unidos otra colaboración entre ambos músicos, la presentación en directo de una pieza editada recientemente hace poco más de un año. El último encuentro entre ambos produjo a raíz de “Halfslaap / Stiltetonen” (White Paddy Mountain, 2014) [315], “una de las muchas panorámicas creadas por Machinefabriek, ahora entregado a territorios amplios y armonías que se desarrollan a espaldas del tiempo y las limitaciones de la vida instantánea. Presentado impecablemente, con la prudencia estilística de siempre, “Halfslaap / Stiltetonen” muestra otro lado de la obra de Rutger Zuydervelt: la imponente profundidad acústica entre tonos invisibles y las melodías lumínicas de ensoñador lirismo. Cuerdas superpuestas de melancolía envolvente y loops que integran el paisaje urbano entre el delicado tejido de luz digital”. En la primera parte de ese trabajo la instrumentación de Anne se incorporaba a una creación de Machinefabriek. Ahora ese mismo es presentado en un registro en vivo. “Esta cinta documenta dos breves presentaciones en vivo de la pieza ‘Halfslaap II’, ambas grabadas una tarde de domingo, el 25 de junio de 2014 en UCK, Utrecht, como parte de Cultural Zondagen, organizado por Gaudeamus Muziekweek. En la cara B una parte distorsionada de la grabación fue editada”. Dos exposiciones, una por cada cara de este cassette. La versión original publicada por White Paddy Mountain ahora es reducida en cada presentación, un sueño breve de una partitura mucho más reposada que “Deining”, un mar tranquilo de armonías que se balancean suavemente. Anne Bakker (viola, looper) y Rutger Zuydervelt (four-trask cassette recorder, record player, tone generator, reverb, looper, mixer) desarrollan acordes que se despliegan de manera tersa en el espacio, anotaciones emotivas que producen un estado de sosiego. “Halfslaap II Live”, grabaciones donde los sonidos fluyen de manera pacífica, cuerdas naturales y tonos análogos, cintas desgastadas que integran fracciones de ruido en las extensiones orgánicas. Sin embargo, existen momentos en los que el mar se convulsiona y se producen mareas más violentas, logrando extraer las emociones más íntimas de la tormenta sonora. El clasicismo de esta rastro se presenta de diversas maneras en cada lado, cada concierto. Los apuntes no son iguales nunca, similares pero diferentes, matices minúsculos que se adhiere modo sigiloso sobre las líneas amplias “parcialmente improvisadas”. Los detalles de brillo obscuro se filtran por las hendiduras de la madera formando una dualidad hermosa material. “Halfslaap II Live”, un onírico paisaje duotono de hebras y resonancias eléctricas.

Por medio de la incorporación de otras identidades Machinefabriek desarrolla sus registros, composiciones complejas en las que se integran texturas diversas en unidades auditivas compuestas de varias capas. Rutger Zuydervelt, junto a Gonçalo Almeida y Anne Bakker, elabora obras en las que se despliegan entidades discrepantes, notas orgánicas y fibras análogas. “Doze Ruínas”, “Deining” y “Halfslaap II Live”, diferentes aproximaciones a la acústica y el ruido, diseños tonales y reverberaciones eléctricas.

www.cylinderecordings.bandcamp.com, www.bastakiyatapes.com, www.machinefabriek.nu, www.gonzobass.wix.com/gonzoalmeida, www.annebakker.net


411. Insomni
noviembre 1, 2015, 12:10 pm
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Insomni

SIMON SCOTT
»Insomni«
ASH INTERNATIONAL. 2015

Ruido tenue surgiendo de entre las ramas delgadas y el mar estancado, notas familiares que nacen cuando la luz cubre el panorama cotidiano en las tempranas horas de la mañana. En medio de los territorios apartados de la agitada vida actual alguien recorre los parajes inhóspitos, senderos cubiertos por la humedad que se adhiere a la piel y por la vegetación de coloración viva, terrenos donde se puede oír los sonidos que brotan de manera espontánea, acordes naturales extendidos en las líneas irregulares. Ese alguien no sólo registra esos instantes de belleza indómita, sino que incorpora sus propias capas al verdor, cuerdas que cruzan los arbustos y el suelo pantanoso. “Simon Scott (1971) es un multi-instrumentista británico radicado actualmente en Cambridge, Reino Unido. ‘Insomni’ es su cuarto álbum y su debut con Ash Internacional. Su música es una fusión de la manipulación de señales digitales combinada con una estética de la colaboración de composición con sonidos ambientales y texturas acústicas orgánicas. Él se inspira en sus intereses en la ecología de sonido, tecnología musical, la naturaleza, la ilustración, la fotografía, la composición y el arte sonoro”. Simon Scott, músico inglés quien, desde hace unos seis años, viene publicando trabajos donde conviven diferentes mundos, trazos ambientales unidos a superficies más ásperas, grabaciones de campo y folklore austero. No obstante, su participación en distintos proyectos se remonta a finales de la década de los ochenta (The Charlottes, Inner Sleeve, Seavault), principalmente Slowdive, recientemente reactivados. Pero, aparte de ser parte de la historia del pop ambiental, también desarrolla sus propias imágenes inmersas en el paisaje. Primero fue Televise, y luego bajo su propio nombre, lo que resulta en un puñado de álbumes para Miasmah, Slaapwel, Low Point, Immune, Sonic Pieces, Brian, Secret Furry Hole y Kesh, su propio sello. Su último registro más extenso es una impecable obra que ensambla grabaciones recogidas en la naturaleza, en los Fens, al este de Inglaterra. “Below Sea Level” (12k, 2012) [222], resonancias bajo el nivel del mar, piezas sobre el entorno y las melodías que crecen en ese espacio. “Tomando el medioambiente no solo como una fuente de música, sino como música en sí misma, Scott se deja llevar por sus corrientes tranquilas. Field recordings y sonidos grabados, acústica ambiental, siete niveles bajo el mar. Esas mismas aves que habitan las costas inglesas son las que cantan en los primeros esbozos de este viaje al pasado, rodeado por pequeños insectos, y arbustos con raíces en el agua… No intentando reflejar la realidad, solo intentando mostrar como un lugar le ha afectado personalmente, Simon Scott nos muestra su panorámica de las superficies húmedas que fueron el aroma que impregnó su piel cuando pequeño. Cada sonido suena claro, sea de texturas sintéticas como de naturaleza orgánica. Todo fluye como el agua por un canal, y de repente despunta algún detalle que brilla por sobre las extensiones de su acústica de tintes electrónicos. “Below Sea Level” es un viaje personal de la mano de piezas ecológicas a lo largo de las riveras de East Anglia, a lo largo de evocaciones en un medio ambiente que se vuelve nuestra música interior”.

El exterior que rodea el hogar sigue estando presente en la obra de Simon Scott. Su nuevo trabajo incorpora los sonidos que se generan en ese lugar, pero añadiendo sus propios acordes generados en la lejanía del campo. “Insomni” es un álbum en el que se integran diferentes formas, capas naturales que fluyen debajo de una serie de ruidos producidos por Scott, múltiples láminas que van estructurando de manera progresiva este trabajo de acústica compleja. “No podía dormir… surgió la búsqueda de sonido. El zumbido de la nevera alentó una mayor investigación de los sonidos ocultos, domésticos; la pecera, el reproductor de DVD, un ordenador portátil roto…El amanecer y luz de la mañana permitieron más sonido y la guitarra, en su caso, le hizo señas… De la oscuridad a la luz…”. “Insomni” se presenta como un solo track que se compone de diversas piezas, una unidad que se integra de distintos estados, un álbum en el que la vida cotidiana se encuentra junto a la vida en el campo y los apuntes que brotan de ese panorama inspirador. Guitarras de seis y doce cuerdas, hidrófono, Buddha Machine, estática de radio, Max MSP, Supercollider, Logic Pro, algunas de las varias herramientas empleadas por Scott. Cuarenta y dos minutos plegados en un mismo archivo y once piezas que se desarrollan de manera continua y que muestran varias formas y varias sonoridades. “Insomni” exhibe varios elementos que cohabitan de manera perfecta dentro de la paleta sonora desarrollada por el músico británico, cuerdas y el estruendo de la lluvia, objetos caseros y armonías de cristal, la cartografía de las regiones húmedas junto a texturas ambientales. Simon Scott enlaza estas figuras y crea un álbum que mana de manera pausada, un disco fraguado durante más de tres años y que añade otros tonos a los sonidos habituales. “He estado escribiendo ‘Insomni’ desde la primavera de 2002 y, después de tres años, de repente e inesperadamente llegó a completarse en la primavera de 2015. Seguí yendo al paisaje hundido de East Anglia, ya sea para relajarme o tocar mi guitarra, y nunca deja de inspirarme creativamente, pero yo no estaba feliz de sumergirme inmediatamente en escribir un sucesor ‘Below Sea Level’, un álbum de grabaciones de campo de los pantanos que 12k lanzó en 2012. Yo quería algo nuevo que me inspirara, así que empecé a buscar una nueva paleta sonora con la cual trabajar para este álbum. Yo siempre empiezo un proyecto de álbum con la caza de una nueva paleta sonora con la cual componer. Podría ser un parche de software de música que he creado o una nueva pieza de equipo con la que empiezo a componer y experimentar. Yo estaba tumbado despierto por la noche y encontré que mi percepción del sonido se volvió aguda y realmente comencé a disfrutar el hecho de que todo el mundo estaba dormido y tuve un poco de espacio para una escucha profunda. Pasé mis días sin control sumergidos por el sonido no deseado, tristemente imposible de escapar, pero descubrí estos sonidos ocultos que estaban justo debajo de mi ruido y fue liberador. El motor de filtro de pecera creaba un zumbido en la tonalidad de G y la nevera estaba en D#, por ejemplo, así que tuve tonos con que trabajar y estos también tenían texturas interesantes de sonido que podía jugar. Así que muy temprano en el proyecto que comencé a recoger los sonidos durante las horas quietas y formé capas editando durante el día y de repente tuve una nueva área sonora de sonido para trabajar”. Scott entrega esta composición entrelazada que surge como pequeñas señales capturadas en momentos quietos. “An Angel From The Sea Kissed Me”, resonancias ásperas que se unen con cuerdas resplandecientes, un brillo eléctrico en medio de las perturbaciones minúsculas que lentamente se van convirtiendo en un murmullo ensordecedor, un torrente de acordes que se pierden en la fauna silvestre de “Holme Posts” y las hebras límpidas, y esta a su vez en las fibras de “Confusion In Her Eyes”, un mar de superficies abruptas y líneas tersas. Las anotaciones de folk bucólico son el centro de “Nettle Bed”, una maravilla acústica de delicados tonos campestres, puntos que brillan sobre una bruma eléctrica. Luego de la rugosidad de “Fen Drove”, “Nember” enlaza tramas orgánicas con tejidos electrónicos, otro hermoso instante, folklore digital de tono crepuscular, un matiz que “Far From The Tree” mantiene solo parcialmente, de manera distinta, incorporando los elementos dentro de otros trazos, que son también parte del mismo panorama. “Swanbark” reúne las distintas armonías que reflectan en este trabajo, un epílogo reflexivo de resonancias leves.

“Couldn’t sleep… arose to forage for sound. The hum of the fridge encouraged further investigation of hidden, domestic sounds; the fish tank, dvd player, a broken laptop… Dawn and morning light allowed more sound and the guitar, in its case, beckoned… From darkness to light…”. En las tempranas horas de la mañana surgen unos sonidos ocultos, capas subterráneas que llevan a Simon Scott a descubrir la música que fluye cuando el mundo se calla. De manera sigilosa Scott registra eventos ínfimos y los ata a otras superficies de ruido, texturas abruptas y líneas ambientales expresadas de manera sutil en “Insomni”, la acústica del paisaje vegetal y las resonancias familiares, reverberaciones en los climas húmedos y la geografía apartada.

www.ashinternational.com, www.simon-scott.blogspot.com


410. Days + Program
noviembre 1, 2015, 12:00 pm
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Program + Triac 02

TRIAC
»Days«
NHK
»Program«
LINE. 2015

Líneas programáticas de sonidos enrevesados, plataformas extáticas de ruido quieto, formas auditivas que generan complejas estructuras dónde convergen imágenes y notas, gráficas  donde se cruza el arte contemporáneo con hebras acústicas. Siempre traspasando los límites del silencio de manera sutil, LINE es un espacio donde ocurren eventos ínfimos en los cuales se desarrolla la música moderna, transformaciones leves en las que se desplazan ondas horizontales y perturbaciones en la materia que producen un hermoso ruido. Dos de los últimos lanzamientos del label dirigido desde Los Ángeles por Richard Chartier se ubican en diferentes extremos del sonido, en diferentes puntos geográficos además, investigaciones sobre el sonido desde ópticas distintas que originan variaciones en el espacio.

Láminas deslizadas ligeramente en extensiones decoloradas, paisajes en duotono por donde transitan pequeñas partículas de sonido. Planos continuos de energía eléctrica se despliegan en la atmósfera, trayectos subliminales de notas indefinidas. Desde Italia emergen una serie de registros comprimidos en los que se repiten de manera irregular armonías homogéneas, estructuras indescifrables avanzando encima de superficies lisas. Triac, nueva entidad en la que coinciden un grupo de músicos para producir diseños de sonido tenue. “Triac es un trío y nuevo proyecto liderado por Rossano Polidoro del ex dúo TU M’ cuya hermosa publicación en LINE de 2009, ahora ya agotada, ‘Monochromes Vol. 1’ (LINE_040) cosechó gran éxito. ‘Days’ es un álbum de suaves a la vez que deslumbrantes drones distantes que casi flotan en el aire. El sonido de la imagen en movimiento lento y las sutiles luces parpadeantes más allá de ello. Para los oyentes que aprecian las obras de Celer, William Basinski y Stephan Mathieu. TRIAC es un discreto trío de música electrónica formado a finales de 2011. Su trabajo también incluye instalaciones artísticas audiovisuales sobre las relaciones entre sonido y atmósferas espaciales y elementos naturales. Su primer álbum ‘In A Room’ fue lanzado en 2014 en la etiqueta rusa Mikroton”. Este nuevo trabajo de este relativamente nuevo organismo sonoro es tan solo su segunda publicación, luego de “In A Room” (Mikroton, 2014), música fabricada a través de la interacción de elementos reales y componentes artificiales, un entramado múltiple que es empleado para desarrollar piezas de sonido lineal. Triac elaboran piezas en las cuales las notas parecen permanecer en un mismo estado, no obstante existen mutaciones dentro del panorama audiovisual. “Days” son siete piezas compuestas e interpretadas por Triac, registradas el año 2014. Rossano Polidoro (laptop), Marco Seracini (piano, sintetizador) y Augusto Tatone (bajo eléctrico) edifican composiciones electrónicas reproducidas de manera física, filamentos acústicos y texturas metálicas que generan estridencias leves en el espacio. “Days 1”, placas minerales que producen una reverberación tenue, un sonido constante que se funde con un eco ambiental propagado como una densa bruma, diez minutos de capas en traslación subterránea que resplandecen con su reflejo gris. “Days 2” es otra forma de una misma unidad, armonías estancadas que transitan lentamente, superficies escarpadas que configuran panorámicas telúricas. “Days 3” es todavía más sutil, notas en la inmensidad y fracciones contaminadas infiltradas en la pureza tonal. Así con cada una de estas estaciones, hasta el último estertor que desaparece en medio del murmullo callado. “Distant drones that almost hover in the air. The sound of the slowest moving picture and subtle flickering lights beyond it”. “Days” es una música física, un sonido corpóreo compuesto de fragmentos intangibles. Rossano Polidoro, Marco Seracini y Augusto Tatone configuran sistemas indefinidos integrados de múltiples capas, ruido digital y fibras eléctricas en rigurosos paisajes de tonalidades débiles.

“Minimal yet jarring, unexpected, and rich… Post-post-techno-machine sound. Strictly artificial”. Formas sintéticas en trayectos esquematizados, fragmentos de ruido esparcidos en un plano extenso, puntos aislados conectados por medio de una rítmica compleja. NHK, dualidad sonora que estructura organizaciones auditivas en desintegración. Durante los últimos años han aparecido unas cuantas piezas de esta formación esporádica de electrónica artificial, registros esparcidos en trabajos breves. Ahora, luego de varios años es publicado su primera obra más dilatada, colección de sonidos formales que comparten una misma apariencia disgregada. “Program” es un álbum en el cual formas abruptas se insertan en una dinámica ordenada, rastros agudos de ruido cortante. “Interacciones rítmicas ásperas y desnudas y ruidos forman el trabajo distintivo de NHK. Mínimo a la vez que discordante, inesperado y rico,  ‘Program’ es el sonido de una máquina post-post-tecno. Estrictamente artificial. ‘Program’ es el primer álbum completo de NHK y primer lanzamiento en CD. NHK es un proyecto de colaboración iniciado en 2006 por los artistas japoneses yx koyxen (Kouhei Matsunaga) y fm™ (Toshio Munehiro). Ambos artistas viven y trabajan en Osaka, Japón. Principalmente como un proyecto paralelo del prolífico productor Kouhei Matsunaga (que trabaja bajo muchos seudónimos diferentes, tales como NHK’Koyxen, NHKyx, Internet Magic, Koyxen), comenzaron a hacer dub techno experimental con un borde más crudo y áspero. Él ha colaborado con artistas como Merzbow, Sean Booth de Autechre, Mika Vainio, Conrad Schnitzler, Asmus Tietchens, Ralf ‘RLW’ Wehowsky, y más. Su propio sello Flying Swimming fue fundado en 2002 con el objetivo principal de publicar y curar eventos de arte y música contemporánea experimental. Como dúo NHK han lanzado NHK EP en raster-noton (Alemania) en 2008, el EP ‘Special’ en Important (EE.UU.) en 2009, y un split de 12” con SND en PAN (Alemania) en 2012”. Nueve tracks, ritmos marcados y fragmentos ínfimos que se inmiscuyen entre las hendiduras eléctricas, “Program” son ecos  digitales que forman estructuras sincronizadas, un conjunto heterogéneo de patrones regulares y trozos aguzados que se intercalan en las superficies desiguales. yx koyxen/ Kouhei Matsunaga y fm™/ Toshio Munehiro construyen una serie de composiciones en las que parece que eventos aleatorios se despliegan dentro de una mecánica precisa, figuras geométricas que constituyen sonidos complejos. Ruido y patrones exactos, distorsión y cadencias perfectas, colisiones constantes que generan piezas de electrónica discrepante. NHK lanzando objetos sobre un suelo pedregoso, materiales minúsculos que se enfrentan entre sí provocando detonaciones acústicas. “Program” es un cúmulo de polución mineral que se arrastra por la superficie sintética, trozos de sonido arrojados en la métrica incesante, desde las frecuencias y los golpes de energía disonante de “ch.1” a las ondas destructivas de “ch.10”, pasando por el techno fabricado a partir de elementos que emigran de su centro en “ch.2” o las texturas rugosas de “ch.6”. Habitando en un terreno abierto, Kouhei Matsunaga y Toshio Munehiro diseñan sistemas de sonido en los que confluyen miles de  objetos y detalles irrepetibles, fisuras auditivas sobre un paisaje confuso. “Program”, fracturas acústicas generadas digitalmente por NHK, formas matemáticas imprecisas y electrónica fragmentada.

www.lineimprint.com, www.triac-act.com, www.nhkweb.info


409. Twine
octubre 1, 2015, 2:20 pm
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Taylor Deupree + Marcus Fischer 03

Twine

TAYLOR DEUPREE & MARCUS FISCHER
»Twine«
12K. 2015

Secciones de ruido en una órbita circular repitiendo un motivo de manera constante e irregular en el espacio, hermosos registros capturados espontáneamente que retratan el lento avance de la luz sobre los objetos, el decaimiento del brillo solar creando una paleta extendida de tonos débiles. “Slow, haunting melodies under a layer of warm tape hiss and accidental physical sounds”. En medio de las hojas lánguidas de estaciones diferidas, bajo las corrientes incesantes que arrastran piedras cubiertas de algas marinas y conchas brillantes, sobre los grietas del terreno cristalizado emergen pequeños rastros de una forma curva, sonidos surgidos entre las hendiduras formadas por siglos de adecuación terrestre. Desde esos lugares aparecen estas estructuras asimétricas las cuales emanan de sistemas cerrados, un cúmulo de sonidos trazados en el suelo húmedo y los bordes abruptos, trazos orgánicos que viajan alrededor de un mismo punto. El entorno determina la manera cómo se desarrollan los acordes, filtrando su anatomía geográfica en los surcos desgastados y las delgadas láminas de ruido frágil. Hace unos cinco años atrás Marcus Fischer publica “Monocoastal” (12k, 2010), su primer álbum particular, obra donde desarrolló algunas de las técnicas adquiridas luego de un tiempo de investigación sonora, un álbum donde afloraban superficies rugosas que tenían la apariencia de fotografías desenfocadas. Esas superficies llamaron la atención de Taylor Deupree, quien finalmente editara ese trabajo. Luego tendrían lugar otros registros, como “Birds Of A Feather” (Flaming Pines, 2013), “Collected Dust” (Tench, 2012) [182], “On Shore” (2013) y, recientemente, “Public Works” (2015). Por su parte, Deupree ha editado, desde aquel año una cantidad importante de interesantes obras, entre ellas “Shoals” (12k, 2010) [108], “Faint” (12k, 2012) [229], “Wood, Winter, Hollow” (12k, 2013) [264], junto a Seaworthy, “Disappearance” (12k, 2013) [280], junto a Ryuichi Sakamoto, “Captiva” (12k, 2014), acompañado de Stephen Vitiello, “Lost & Compiled” (12k, 2014) [319] y, recientemente, “Perpetual” (12k, 2015) [370], grabaciones en vivo junto a Sakamoto e Illuha, y “Live” (ThirtyThree ThirtyThree–The Vinyl Factory, 2015), nuevamente al lado del músico japonés. Sin embargo, previo a todo este despliegue de ideas ambos músicos se reunieron unos pocos días para producir un álbum de anotaciones en mitad del clima apartado. “In A Place Of Such Graceful Shapes” (12k, 2013) [172], se tituló ese frío invernal. “Tan solo cuatro días fueron los compartidos y en ellos, acompañados de sus herramientas y unos cuantos bosquejos trazados, fueron la base sobre la que derramar estos sonidos nacidos de este enfrentamiento amistoso… Lienzos interminables, notas sonando en el aire frío y una nube brumosa de ruidos maravillosos. Texturas rugosas, capas de destellos fragmentados, guitarras en desfase con la realidad, postales desde el brillo del día sin sol. Un sistema ambiental que se sustenta en lo microscópico, energía y materia en un hábitat común donde florece la canción que no se detiene… La delgada línea de hielo que cubre un lago en temporadas heladas es el escenario en el que germina unas piezas que son un ecosistema privado. Sus lados atraviesan la frontera del ambient y se cruzan con las de la música quebradiza. A veces simula ser un extrañamente disco de field recordings, pero no lo es. Oculta, descubre, cubre y muestra. Sonidos de exterior que son el eco de la nostalgia interior. Las tres canciones, entre las dos breves, y su versión expandida muestran el espectro oculto de las mañanas y las tardes de un panorama bucólico y de temperaturas bajas, de estaciones para estar hacia dentro y mirar hacia fuera, donde se sienten los paisajes emocionales en medio de las melodías que Marcus y Taylor recuestan sobre la escarcha que reposa en la hierba junto a la orilla del lago. El clima cubierto, las líneas de nubes, en un lugar de tan armoniosas formas”. Partes de aquel sonido, estruendos minúsculos de la nieve que cruje, vuelven a surgir en la amplia panorámica natural, rastros recopilados en horas fatigadas.

Un lustro después de aquel álbum Taylor Deupree y Marcus Fischer retornan con nuevos registros de sonoridades similares pero con un planteamiento diferente. Asomándose en medio de las raíces y sus extensiones verdes, ambos músicos crean un trabajo en el cual se abren los sonidos de un modo involuntario, cómo si no quisieran buscarlos sino que simplemente están ahí, en su estado primigenio, listos a ser cosechados. Muestras de una sonoridad equivalente son exhibidas a lo largo del territorio congelado, un cúmulo de objetos diseminados que producen leves sonoridades imantadas, resonancias magnéticas en traslación permanente sobre un eje en rotación imperceptible. Deupree y Fischer desarrollan una serie de piezas de una duración media, piezas en que habitan un conjunto de pequeños sonidos, cada uno con una intensidad particular y una gradación particular, los cuales comienzan lentamente a desdoblarse como si fuesen flores respondiendo a los rayos del sol: colores que adquieren un mayor brillo, hojas que se estiran mirando al cielo, tallos elevados expresando su real dimensión. No obstante, como nada es nunca igual, en otros momentos los pétalos vuelven a recogerse, regresando a su cáscara protectora. “In A Place Of Such Graceful Shapes” fue un álbum donde en un solo desarrollo se tendían los apuntes que variaban con una velocidad reducida, una composición que evolucionaba de modo progresivo mostrando diferentes longitudes de ruido y distintas magnitudes. En ese trabajo, tan solo el primer encuentro donde podían desenvolver cada uno sus propios métodos de creación, ya se apreciar como el uno de adapta al otro, conformando un sonido homogéneo de formas auditivas, una maravillosa estructura abierta en la que se propagan pequeños sonidos sobre una extensión territorial apartada, incorporando la atmósfera del campo forestal a su eco eléctrico. En el tiempo que media entre ese primer esfuerzo colaborativo y este último hubieron otras reuniones creativas, presentaciones en directo, paseos por el bosque, no necesariamente plasmadas en un archivo sonoro. Una excepción es Between, proyecto eventual que es en realidad la confluencia de varios músicos durante una gira por Japón que dio lugar a un disco del mismo nombre, “Between” (12k, 2012) [232], donde además estaban presentes Simon Scott e Illuha (Tomoyoshi Date y Corey Fuller), hermosa postal de un viaje por el relieve japonés. Luego de ese oasis regresan con un trabajo que, a diferencia de aquel, reúne una serie de obras breves con un método distinto, pero la forma exterior sigue siendo similar, pequeños ruidos generados de manera orgánica que producen estertores ligeros dentro del paisaje silvestre. Desde hace un tiempo que Taylor Deupree ha efectuado un tránsito paulatino desde circuitos eléctricos a medios cada vez más cercanos a repercusiones naturales, formas acústicas que emplean tecnologías desfasadas. Ese proceso ha servido para crear maravillosas obras donde convergen tramas orgánicas y reminiscencias de paisajismo digital. Ese lugar es donde también residen muchas de los rastros de Marcus Fischer, una colección de canciones que se apoyan en medios semejantes, composiciones surgidas casi de manera accidental. Ambos procedimientos se encuentran en este álbum de complexiones variables, impulsos mínimos que transcurren delicadamente en el aire. “Taylor Deupree y Marcus Fischer crearon su expansivo debut ‘In A Place Of Such Graceful Shapes’ (12k2021, 2011) durante cuatro días en una fría y cubierta de nieve Nueva York sólo unos pocos meses después de haberse conocido. Desde entonces han viajado juntos, fotografiado y escrito música juntos, manteniendo la energía creativa colaborativa en cada oportunidad, dondequiera que se encuentren. Durante una visita a la costa oeste en el verano de 2015, y después de un largo día en el estudio creando, buscando y listos para retirarse por la noche, los dos se sentaron en un cansado silencio contemplando el enfoque del día siguiente. Sonando tranquilamente en el fondo había un simple loop de cinta mono que Fischer había hecho antes, rellenando las grietas sónicas en el cuarto oscuro. Después que quince o veinte minutos pasaron, con el sonido de este loop habiéndolos paralizado, los dos se miraron el uno al otro y dijeron: “Esto es”. Desde ahí formaron un proceso conceptual muy centrado: dos artistas, dos loops de cinta mono y cuatro instrumentos acústicos, nada más. Creando un bucle cada uno de diferentes longitudes y registrando las salidas de las máquinas reel-to-reel con altavoces incorporados con micrófonos en la habitación, Deupree y Fischer comenzaron a elaborar su obra más comedida hasta ahora y, sin embargo, centrándose en la belleza natural de tal sistema limitado de creación”. Dos cintas que se entrelazan para configurar sistemas de audio envolventes, fases en retorno que crean hermosos retratos del exterior inestable. “El título de ‘Twine’ viene de la idea de los dos loops de cinta como nudos, como soporte físico, combinándose para formar una sola, más compleja, pieza. Los siete temas del disco son altamente repetitivos a la vez que constantemente cambiantes debido a la asincronía de los loops. Toda la calidad cálida, táctil y polvorienta de las cintas y los reproductores antiguos es capturada en las grabaciones y el oyente puede fácilmente perderse en los lentos y envolventes ciclos. Fue importante para ellos ser sorprendidos mientras trabajaban, a no aproximarse al disco en las formas en que habían trabajado antes donde sabían cómo el resultado sonaría. Lo inesperado fue una fuerza impulsora detrás de la creación”. De esa manera se generan los sonidos que lentamente se desplazan por los artefactos, bandas que contienen los elementos primarios que crean esta música en rotación imperceptible. “La instrumentación en ‘Twine’ es simple: piano eléctrico, campanas, instrumentos de cuerda… Con cuidadosas y deliberadas manipulaciones físicas los sonidos se abstraen sutilmente, como se puede escuchar en “Buoy”, donde las máquinas mecánicas de cinta se unen entre sí en la grabación para crear una obra sugerente del muelle abandonado que los dos fotografiaron en Islandia un par de años antes, mientras era golpeado tranquilamente contra la fría costa de invierno. Imágenes como éstas abundan a través de las pistas. Lentas melodías inquietantes bajo una capa de cálido siseo de cinta y sonidos físicos accidentales dan al oyente un montón de espacio para la imaginación, la reflexión y la agitación de los recuerdos perdidos. La intimidad de los loops de cinta junto con la soledad de los sonidos da a ‘Twine’ una complejidad más allá de su forma simple. Deupree y Fischer han creado un nuevo trabajo intensamente enfocado que se basa en todas sus interacciones creativas desde su debut de 2010”. Siete piezas comprende este trabajo, todas desarrolladas dentro de un mismo sistema limitado pero que se abre a muchas posibilidades. La instrumentación simple fijada por ambos permite que germinen de manera más relajada las sonoridades que pueden nacer a partir de ella, ecos leves y cadencias reposadas brotando de los objetos disgregados en el estudio. Cuerdas, piano, campanas, unos cuantos recursos para conformar estas extensiones de delicados tonos. Hebras de ruido quebradizo inician su trayecto por los tornos de metal y las estructuras de plástico, armonías quietas trasladándose indefinidamente y dejando vestigios de su arquitectura frágil. “Draw” muestra, desde un comienzo, las formas que adopta este álbum, ese proceso sencillo del cual surgen piezas asimétricas de ruido fragmentado. Del mismo modo, “Bell” exhibe las formas que se repiten, sonidos que se desintegran en su circuito constante por los mecanismos obsoletos. “Buoy”, notas que se desvanecen junto al paisaje y la madera añejada, armonías que crujen y fracciones de sonido. “Telegraph” parte desde ese mismo punto espacial, sugiriendo melodías que se completan en la mente, anotaciones inconclusas de timbres de metal. “Kern” es como un murmullo submarino, sargazos avanzando con un ritmo lento por las corrientes de líquido empantanado, un micrófono capturando las resonancias bajo el nivel de un mar tranquilo, mientras que “Sailmaker” son trozos de sonidos atomizados que dejan marcas sobre la pureza sintética. Finalmente “Wake”, folk análogo envuelto en una capa de ínfimas partículas de distorsión, música discreta que fluye espontáneamente por el terreno húmedo, loops retrasados que emiten una radiación tenue y dejan marcas de pigmentación natural.

“Two artists, two mono tape loops and four acoustic instruments, nothing more. Creating one loop each of different lengths… The raw beauty of such a limited system of creation”. Rastros de minúscula magnificencia desperdigados en el espacio distante, cuerdas enlazadas formando contemplativas piezas con miles de trozos yaciendo bajo superficie. Taylor Deupree y Marcus Fischer crean una serie de configuraciones de audio irregular, aproximaciones homogéneas que utilizan recursos naturales. “Twine” es el crepitar de la corteza de árboles inmemoriales, partículas de polvo surgiendo de las láminas de ruido imantado, notas tenues que transitan en forma circular por objetos en desfase. “Twine”, cintas de audio elíptico que fulguran un ruido análogo de hermosas tonalidades apagadas.

www.12k.com, www.taylordeupree.com, www.mapmap.ch


408. Renewed Brilliance
octubre 1, 2015, 2:20 pm
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Renewed Brilliance

THE BALUSTRADE ENSEMBLE
»Renewed Brilliance«
SEREIN. 2015

“A portal to a hypnagogic anti-world where time flows in all directions… The beautiful and anguished scenery of this place is so compelling that listening becomes an addictive and immersive escape”. Un cúmulo de notas atemporales transcurren de manera aletargada a través del espacio, reverberaciones eléctricas de sonidos condensados conforman una extraña atmósfera de ruido y sonoridades abstraídas que se desenvuelven con un acento nostálgico. Más allá del tiempo, fuera sus límites variables, fluye un sonido que posee una carácter misterioso, acordes que tienen una apariencia cambiante, armonías indefinidas que se despliegan como figuras indefinidas, melodías que son imágenes vagas de un paisaje floral. El eco confuso de una música que proviene de un lugar apartado reflejado en cintas de audio en decoloración, cintas que recogen estructuras ambivalentes y que retrotraen instantes abandonados por la memoria, formas acústicas elaboradas minuciosamente con materiales prescritos que emiten una radiación incandescente. “Hace tres meses recibí un demo de una banda llamada The Balustrade Ensemble. Al igual que con la mayoría de los demos que recibo, no tenía ideas preconcebidas de cómo sonaría antes de presionar el play. El nombre era completamente nuevo para mí y yo no tenía antecedentes sobre la banda. El álbum se abre con una canción llamada “Bathyal Reel” y, cuando comenzó a sonar, que capturó mi atención de inmediato. La música era muy diferente a todo lo que había oído antes. Yo estaba cautivado. Esa primera vez que escuché el álbum en su totalidad estaba en ascuas. Supongo que estaba orando para que no pasara nada que perturbara mi sensación inicial de asombro, no sucedió”. De esta manera Huw Roberts, director de Serein recuerda la primera vez que escuchó las grabaciones que terminarían siendo el álbum que finalmente el primer álbum en su sello. Acerca de The Balustrade Ensemble en realidad no se sabe demasiado. Casi nada. “The Balustrade Ensemble has been described as an ocean underwater haunted bird sanctuary. Like the aural background to a Victorian science fiction film, world traveler Grant Miller (from industrial-ambient Mandible Chatter fame), with the help of Scott Solter (Tarentel, Charles Atlas, Boxharp, etc.), has developed an amazing rendition of steampunk-ambient”. Una extraña definición para este proyecto de Grant Miller y Scott Solter, quienes hasta ahora solo habían publicado un álbum, “Capsules” (Dynamophone, 2007), ocho años atrás. Notas desfasadas que ahora vuelven a emitir resonancias en medio del océano.

Incorporando superficies diferentes, extraídas de materias olvidadas, The Balustrade Ensemble construye una serie de piezas minúsculas donde es posible percibir las maneras en que estos sonidos crecen y se desarrollan, composiciones polifacéticas donde convergen distintas coloraciones que dan vida a esta música de un brillo extraño. “Renewed Brilliance” es un trabajo de texturas borrosas, un lugar en el cual habita el sueño, un mundo de ensueño y melodías tersas. Grant Miller construye unos registros que luego son pasados por el barniz de Scott Solter –“You begin with blueprints, of course, but looking at the blueprints is never like looking at the house when it’s finished. My compositions are the blueprints. When you listen to our record, the house you’re hearing is Scott. He makes it three-dimensional. Now, subtract the actual mechanics of recording and traditional mixing, and “tinted vapors” is what is left over. Essentially, it’s a way to describe arranging that is more finely attuned to the peculiarities and needs of making ambient music”–. Como resultado está un sonido análogo envuelto en una nube densa, líneas claras que se confunden en una atmósfera nebulosa, armonías lentas disueltas en un líquido narcótico. “The Balustrade Ensemble demuestran que es posible un viaje en el tiempo con su segundo álbum, ‘Renewed Brilliance’. La música es un portal a un anti-mundo hipnagógico, donde el tiempo fluye en todas las direcciones. Ya sea llevado en alto en las corrientes o sumergido en algún submundo acuático, el paisaje hermoso y angustiado de este lugar es tan convincente que la escucha se convierte en un escape adictivo e inmersivo. Una banda sonora para el agotado viajero del tiempo. The Balustrade Ensemble está dirigido por el compositor y guitarrista Grant Miller y el ingeniero de grabación y mezcla Scott Solter. En el estudio, las composiciones de Miller cobran vida a través de la producción de Solter y la participación de músicos invitados. Junto a la guitarra de Miller se puede escuchar diversamente piano, órgano, voz, violonchelo, arpa e instrumentos vintage incluyendo orchestron, mellotron y dulcitone”. Herramientas añejadas que conviven en un mismo lugar con equipos actuales, configurando un universo único de canciones mágicas. ‘Renewed Brilliance’ logra un equilibrio interesante entre sensibilidades pop y vanguardia. Por un lado tenemos temas como los iniciales “Bathyal Reel” y “Show Us To The Sky”, cristalino y melodiosas efusiones, sobrenaturales canciones resplandecientes con estructura y narrativa. Por otra parte se encuentran piezas como “The Lowing Herd Wind” y “Everything Stirs”, paisajes sonoros suavemente enfocados en cámara lenta que, oídos junto a sus vecinos más definidos, dan un asombroso sentido de profundidad y espacio para el álbum como un todo. Desde la calidad de ensueño y amniótica de la composición a la meticulosa atención a los detalles y la instrumentación miríada, ‘Renewed Brilliance’ es un álbum profundamente placentero, gratificante y logrado. Tan cautivadoras son las notas de apertura que es casi imposible limitar el álbum a una escucha de fondo, cada nota una sirena que te tienta en el mundo seductor de The Balustrade Ensemble”. “Renewed Brilliance” son nueve piezas que en total suman poco más de media hora, un mundo de sonidos condensados y donde se desarrollan estos recuerdos en forma de música fuera del tiempo. Grant Miller y Scott Solter elaboran, en distintos estadios, estas composiciones de música surgida en un plano paralelo. Desde un comienzo se aprecia esa instrumentación desfasada, un ruido de apariencias diferentes a las presentes hoy, y cómo se insertan dentro de la mecánica desvanecida. “Bathyal Reel” muestra unos arpegios delicados sometidos a la densidad auditiva, quizás el momento más nítido antes de ir descendiendo en un fondo obscurecido. La relativa limpieza comienza a perderse progresivamente. De hecho, “The Lowing Herd Wind” ya exhibe esas resonancias confusas, notas que se desvían en un sendero brumoso, ideas más que una definición concreta. Lo mismo acontece en “The Arch Scope Cleave”, cintas quemadas en un soplo abrasador, acordes fatigados decayendo en un bucle de partículas dañadas. “Show Us To The Sky” es una hermosa pieza de romanticismo ambiental, apuntes que caen lentamente como pétalos rojos con el alejamiento del calor estacional, un ardor de melodías preciosistas derrumbadas con delicadeza. “Everything Stirs” conserva ese aroma, solo que más sombrío, como también “Summerhill”. “Aerial Verandis” y “Processionary” comparten un cierto exterior más diáfano, mientras que “Goodbye Leona Dare” retorna al ambient pop onírico, formas precisas de belleza clásica diseminadas como imágenes veladas, el lento descenso de un ruido luminoso e impreciso.

Un tiempo presente que se confunde en las melancólicas anotaciones integradas que se despliegan paulatinamente en este trabajo. “Renewed Brilliance” son figuras que pierden su definición, rostros desdoblados que quedan solo como siluetas borrosas. Grant Miller y Scott Solter crean un mundo de sueños e imágenes creado a partir de notas y acordes cansados, acústica análoga que se extravía en una inmensidad onírica de ruido.

www.serein.co.uk


407. Doppelstern
octubre 1, 2015, 2:00 pm
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Doppelstern

BARBARA MORGENSTERN
»Doppelstern«
MONIKA ENTERPRISE. 2015

“Yes, double stars do exist. They are a reality. They appear in the firmament – sometimes as an optical and sometimes as a physical phenomenon”. Líneas melódicas que se mueven con energía por los conductos de la ligera atmósfera, cuerpos físicos en traslación constante alrededor del oído, como planetas que reflejan los colores de un astro luminoso. Las notas viajan desde un punto a otro del espacio, vaivenes acústicos en permanente actividad, resplandor intermitente e incesante de sonidos que dibujan esquemas de ruido amable en el aire. Eventos sonoros donde ocurren múltiples quiebres ínfimos, estruendos heterogéneos que conforman paisajes digitales ricos en detalles y trozos multicolores. Y todos estos eventos ocurren en solo unos cuantos minutos, fracciones de tiempo que parecen nada, cabinas fugaces que encierran instantes de armonías sintéticas y de delicadas y complejas texturas. La música de la alemana Barbara Morgenstern se viene desarrollando desde hace casi dos décadas, una progresión persistente de canciones y estructuras armónicas donde convergen tramas orgánicas y, en mayor medida, materias creadas al interior de circuitos eléctricos, redes de notas recorriendo cables y generando ritmos y ruidos entre las fisuras de estas confirmaciones. Uno de sus últimos trabajos, el que antecede a este álbum, “Sweet Silence” (Monika Enterprise, 2012) [205], fue publicado hace ya tres años, más algunas recopilaciones de nuevas versiones del mismo. ‘Sweet Silence’ es otra muestra de las dulces composiciones de Barbara, jugando y divirtiéndose con la electrónica y el pop. Este disco, el primero íntegramente en inglés exhibe nuevamente su delicada voz, en cierto sentido, un sentido positivo, fría como lo es el pop alemán… La música, por su lado conserva una frescura que no escuchaba hace un buen rato ya. Alegre, dinámica, deportiva, un montón de sonidos saliendo al patio de recreo. ‘Sweet Silence’ es un trabajo de buen ánimo, en el que los componentes están ordenados de manera tal que en ningún momento se puede escapar de él: sea un detalle por acá, la voz entrando por el costado, un ritmo rebotando allá por el fondo, un espacio que se abre repentinamente. Activo y vigoroso, con nervio y juventud… ‘Sweet Silence’ es un agrado de escuchar, uno de esos que hacen que los días sean más llevaderos, una pila de sonidos ataviados de una manera en que uno se siente mejor después de haberlos oído. El dulce silencio revelado de la voz de Barbara Morgenstern es también un motivo más para amarla”. Ese silencio musicalizado de una preciosa manera tiene una perfecta continuación en este reciente recopilación de canciones compartidas.

Publicado, como casi todos sus trabajos, por Monika Enterprise, estas nuevas composiciones presentan piezas en las que se despliegan las formas sintetizadas dentro de un contexto pop, sincronías electrónicas entre palabras deslizadas con una tersa frialdad. “Doppelstern”, obra donde Barbara Morgenstern reúne a una serie de colaboradores que la acompañan en cada uno de sus episodios, creaciones colectivas que, pese a variar de factores en cada momento particular, mantienen una integridad auditiva desde el segundo uno hasta el final. “Doppelstern”, estrellas dobles girando alrededor de un centro gravitatorio de ruido. “Una estrella doble real: la unión de dos estrellas que son formadas juntas en un sistema gracias a las leyes de atracción”, señalaba William Herschel en 1802. Cuerpos proyectando esquemas en sus cabezas, exteriorizando creaciones en forma conjunta. “Sí, las estrellas binarias existen. Ellas son una realidad. Aparecen en el firmamento, a veces como un fenómeno óptico y a veces como un fenómeno físico. Dos cuerpos celestes que trabajan en relación el uno con el otro, dando vueltas alrededor del otro, que responden el uno al otro. Ambas en un delicado equilibrio. En la lengua alemana este raro suceso astronómico se llama un ‘Doppelstern’. Sin embargo, las estrellas binarias que ocurren aquí no han caído del cielo, aunque a veces suenan como tal. Barbara Morgenstern, la gran compositora, letrista, músico y directora de coro de Berlín, las ha concebido, formado y dejado que lluevan sobre nosotros como una lluvia de meteoritos”. Once piezas de música donde afloran las formas edificadas por Morgenstern junto a diferentes músicos de muchos lugares, pequeñas joyas de cristal construidas desde trozos, armadas uniendo un ritmo sobre otro. “Tres años después de su anterior álbum en idioma inglés ‘Sweet Silence’, Barbara Morgenstern está en posesión de una maravillosa nueva metáfora para un nuevo principio creativo brillante. La idea era en realidad una pista de Justus Köhncke, con quien también forma una estrella binaria. El concepto se ha traducido en un gran nuevo álbum. En diversos estudios y diferentes constelaciones, en todos los continentes y en los barrios, un verdadero sistema solar ha llegado a existir. ¡Escuchémoslo! Reluce. Increíble. Tantas facetas. Cada pieza es única debido a su doble constelación de estrellas. Llamemoslas por su nombre: T.Raumschmiere, Hauschka, Gudrun Gut, Justus Köhncke, Corey Dargel, Lucrecia Dalt, Julia Kent, Coppé, Tonia Reeh, Richard Davis, Jacaszek. Y cada pieza está conectada a la otra a través de Barbara Morgenstern y sus canciones. También las llamaremos por su nombre: Was du nicht siehst. Meins sollte meins sein. Too much. Übermorgen. No One Nowhere Cares. Gleich ist gleicher als gleich. Facades. Aglow. Schieß den Bock. Lost in a fiction. Den kommenden Morgen. Los títulos de las canciones de Barbara Morgenstern son ya poesía cuando simplemente se colocan en línea uno junto al otro. Y como las letras completadas en colaboración con las estrellas mencionadas a veces brillan más que una supernova, y otras veces tan delicadamente como una luciérnaga. Entre la artesanía de canciones y el krautrock, escucha electrónica y pop bailable, toda una galaxia brillante de sonidos y canciones se despliega delante de nosotros. Eso es ‘Doppelstern’ de Barbara Morgenstern. No te pierdas este fenómeno celeste bajo ninguna circunstancia”. Producido por Morgenstern junto a sus compañeros eventuales, más la ayuda adicional de T.Raumschmiere, “Doppelstern” es un álbum de exquisitas piezas de electrónica pop, notas sencillas adornadas de elementos que colisionan en una explosión de hermosas armonías. Con un excelente diseño de Ian Anderson (The Designers Republic) y fotografía de Mara Von Kummer, este disco recopila estas apreciaciones sobre la música y sus múltiples variables, una obra donde las ideas desarrolladas por Morgenstern son intervenidas por una serie de voces ajenas que son encausadas hacia un mismo afluente. De manera inmediata, desde el primer momento, aparecen los recubrimientos sintéticos. “Was Du Nicht Siehst”, junto a T.Raumschmiere, ritmos inquietos y brumas eléctricas, armonías que se disuelven como el vapor entre las palabras pronunciadas elegantemente por Barbara. “Meins Sollte Meins Sein”, otra vez con el fascinante misterio de la lengua alemana, textos entre tramas acústicas y el piano de Hauschka. “Too Much” incorpora a Gudrun Gut, un juego de voces e idiomas en una obscura pieza, mientras que “Übermorgen” recupera el vigor de la mano de Robert Lippok y Justus Köhncke, dinamismo que reduce su velocidad con “No One Nowhere Cares”, balada electrónica con Corey Dargel como contrapunto dramático. El minimalismo extraño de Lucrecia Dalt acompaña los objetos sonoros que caen dentro de la caja de resonancias de “Gleich Ist Gleicher Als Gleich”, seguido del clasicismo en medio de golpes y pulsos orgánicos de “Facades”, al lado de Julia Kent más T.Raumschmiere. “Aglow”, junto a Coppé, regresa a los tonos más agitados, aunque más tranquilos que antes. “Schiess Den Bock”, más Tonia Reeh, y “Lost In A Fiction”, más Richard Davis, marcan un descenso recostado, con notas que crecen dentro de su carácter nocturno, con destellos en mitad de los acordes pausados. “Den Kommenden Morgen”, escoltada por Jacaszek, es ruido experimental, música coral y fragmentos acústicos intercalados, una pequeña sinfonía comprimida en cinco minutos, una impresionante muestra de sonidos que se entrelazan entre grietas, estruendos y silencios.

Sonidos girando bajo fuerza de atracción, elementos que se enfrentan en una serie de grabaciones donde cada fracción contribuye a formar cada una de estas piezas frágiles de armonías complejas. Este álbum es una constelación de figuras sonoras que orbitan alrededor del sol que en esta metáfora es Barbara Morgenstern, un cuerpo celeste brillante que ordena los objetos en su elipsis gravitatoria. “Doppelstern”, un resplandeciente colección de brillantes perlas de pop y electrónica binaria.

www.monika-enterprise.de, www.barbaramorgenstern.de


406. images
octubre 1, 2015, 12:20 pm
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Akisai 01

Images

AKISAI
»images«
SCHOLE. 2015

“The imagination towards ideal moves freely around the world as all living-life circulates. Feel the blissful moment of abstract beauty, from undergoing metamorphosis. Sound and visual interacts beautifully in the long-awaited second album by akisai”. Un sonido que se transforma constantemente a través de variaciones en la intensidad y la luz, notas que cambian su estructura de acuerdo a su mayor o menor exposición al brillo exterior. Por medio de impulsos eléctricos se generan panoramas fugaces en permanente traslación, hermosas figuras de ruido tenue que reflectan sutilmente delicados dibujos nebulosos. Un cúmulo de objetos y sonidos configuran asombrosos retratos lumínicos de ideas, planteamientos audibles que en la pantalla se acumulan formando una confusión arrebatadora de formas indefinidas, melodías que crecen hasta estallar en miles de fragmentos y pequeños detalles que irradian un calor sintetizado, una aleación química de moléculas acústicas. Enlazando diferentes maneras de expresar una emotividad real y verdadera se forma una colección de rastros focales que se pierden entre sí, planos continuos impresos en archivos tangibles más allá de su representación gráfica. Akisai es una música surgida en Japón hace no mucho tiempo, la unión de diferentes formas que resultan en sonidos que se pueden observar y figuras que son posibles de ser oídas. Akisai son sonidos que tienen una representación en cuadros que se mueven dentro de un estanque líquido, trazos que dejan una estela de tintes en descomposición. “Radicado en Tokio. Proyecto visual/sonoro de Koichi Nakaie y Kaname Suzuki. Junto con sus propios trabajos individuales, comenzaron a presentar sus trabajos experimentales y sin restricciones de manera irregular. Desde el inicio del proyecto han estado produciendo obras que van más allá de cualquier categorización, combinando imágenes y gráficas en capas para crear las coloridas imágenes visuales de una sensibilidad intensa, y con elementos sonoros mezclados de electrónica, ambient e instrumentos musicales. Recientemente construyeron un nuevo modo de expresión al adoptar los elementos de la presentación con un énfasis en la improvisación, y produciendo instalaciones envueltas en su propio universo de medios mezclados de visuales y sonidos. Continuarán produciendo trabajos buscando una forma de expresión experimental, y explorando un nuevo acercamiento a las sensaciones compartidas entre artistas y espacios de diferentes categorías. “resonant garden” es uno de los eventos que ellos organizan, donde lo visual y lo sonoro interactúan en instalaciones y espacios experimentales. En marzo de 2014 su primer álbum, ‘colors’, ha sido lanzado por SCHOLE”. Un año y siete meses después de su primer trabajo Akisai retornan con otra recopilación de canciones de electrónica cristalina, donde de manera más palpable se puede notar la interacción entre ambas disciplinas que forman el centro de este proyecto.

Koichi Nakaie es un artista visual y diseñador gráfico originario de Kyoto. Yo Suzuki nació en Akita, y comenzó a tocar el piano a los nueve años, para después realizar estudios clásicos. Ambos artistas se encuentran en una misma escenografía para desplegar diferentes superficies, sonido y visión que interpretan ideas similares. Kaname Suzuki desarrolla un conjunto de sonidos que son reelaborados por Koichi Nakaie en un proyector dónde son expulsados múltiples colores que colisionan en imágenes, tonos vivos que parecen florecer en explosiones de brillo y formas móviles. La música es un aglomeración de diferentes materiales, un conglomerado donde concurren distintas herramientas unidas por medio de circuitos eléctricos, energía que sirve de soporte para que crezcan estos registros de diferentes características. Existen texturas electrónicas y también fuentes orgánicas dentro de una misma composición, todos recursos que se mezclan al interior de estas melodías diáfanas. “Akisai, una unidad dual de presentaciones de sonido y visual, lanzó su segundo álbum ‘images’ envuelto en dos discos que incluyen sonido (CD) y visuales (DVD). El estilo de composición de la utilización de guitarra, piano, sintetizadores se emplearon continuamente en el álbum anterior, pero más sonidos como trompeta, flauta y otros instrumentos de viento se presentan en este álbum. Para enriquecer la expresión musical en este trabajo, el artista sonoro Suzuki utiliza diversos instrumentos de su amplia gama en su experiencia musical, que crearon no sólo la base del ‘sonido Akisai’, sino también brinda una expectativa a sus futuros trabajos”. Publicado al igual que su primer trabajo por el sello de Akira Kosemura y Shin Kikuchi, “images” comprende un CD más un DVD, complemento visual donde se muestran las imágenes que se desarrollan principalmente en directo, el otro lado de los sonidos que componen este álbum, incorporando rastros tanto de este como de su disco previo, formando una unión de la obra creada hasta acá por el dúo. “Un registro visual de treinta y un minutos, “re:qualia”, incluido en el DVD, muestra un concepto de la reconstrucción de la cosmovisión del akisai consistente de imágenes abstractas creadas a partir de elementos visuales en capas y elementos sonoros con diferentes perspectiva. Las visuales están formadas por tres composiciones; “bless”, “mistygray”, a partir de este álbum ‘images’, y “theory”, de su álbum anterior ‘colors’. El artista visual Nakaie sublima esas imágenes sonoras de cada pista en imágenes visuales con sus propios sentidos. Para buscar posibilidad de crear un nuevo concepto de intercambio mediante la conexión de sensaciones mutuas, una cuerda invisible será atada a la sensación del espectador yaciendo muy dentro. Como se ha dicho en el título del álbum, ‘images’ es producido después de diversos intentos de conversación entre el sonido y visuales, y estimulará la imaginación del oyente ricamente”. Nueve piezas se incluyen en este trabajo, todas con un brillo especial que destella en cada momento, sonidos gráciles que se desenvuelven de manera espaciosa por el aire, generando una sensación de calma infinita. Cada una de estas canciones se despliegan espontáneamente mientras afloran detalles ínfimos que decoran las simples configuraciones. Las notas caen como si fuesen cascadas pausadas reflejando la luz natural, un clima orgánico en medio de las partituras electrónicas, una música que recoge una cierta sonoridad típica de las regiones del Asia oriental. Guitarras, bajo, batería, trompeta, flauta, instrumentación acústica atravesando canales digitales, flores silvestres junto a un afluente sintético yendo río abajo, formando un hermoso y complejo paisaje. “images”, con fotografía y arte a cargo de Shin Kikuchi, es un álbum de finas anotaciones delineadas en el interior de mecanismos artificiales, con apuntes ejecutados manualmente y que son insertos en la rítmica apacible. Acordes acústicos y estruendos minúsculos inmiscuidos en la gráfica digital, colores que eclosionan formando maravillosos fuegos de artificio. Esas explosiones de infinitos puntos emergen apenas pulsa play. “cycle”, cadencias suaves que sirven de estructura donde se ubican cuerdas trenzadas, arpegios y estímulos de energía junto a tramas de fracciones mínimas trazando una panorámica extática, igual que “bless”, hebras eléctricas radiantes. “sicilienne”, “euphoria” y “talk” presenta aromas más relajados, como una tranquila tarde frente al sol y el mar. “mistygray” es aún más reposada, el atardecer que ahora se torna más obscuro, cómo el cielo salmón adquieren un tinte más rojizo, formando manchas indefinidas en la atmósfera cálida. “ambience”, junto a “sailors”, inician un trayecto hacia instantes nocturnos, en especial la sugunda y su aire marítimo, bellos acordes de tonos melancólicos flotando en las aguas quietas. “utopia” despierta a la mañana siguiente, con múltiples tonalidades que reflejan los interminables colores del día, el amanecer de imágenes que asombran la visión, entre hilos acústicos y tramas sintéticas. Como anexo “re:qualia”, película musical de media hora dónde los actores son los sonidos desarrollados por Suzuki y explayados por Nakaie en un éxtasis de formas y líneas, ruido visual desplegado en miles de capas superpuestas, fotografías en movimiento formando un flujo de luces brillantes y sombras débiles.

“Various attempts of conversation between sound and visual”. Un dialogo entre disciplinas complementarias es desarrollado en “images” a través de paisajes bucólicos que inundan la pantalla. Kaname Suzuki y Koichi Nakaie crean una obra de millones de puntos que brotan en sonidos e imágenes, un efluvio de ruido orgánico y tersas melodías digitales formando hermosos planos ópticos, gráficas cromáticas de electrónica armónica.

www.schole-inc.com, www.akisai.com


405. Umarete Wa Mita Keredo
octubre 1, 2015, 12:10 pm
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Umarete Wa Mita Keredo

0
»Umarete Wa Mita Keredo«
FLAU. 2015

Sobre una pantalla de tela desgastada suceden cuadros en movimiento y desplazamientos silenciosos, escenas en un hermoso gris oscuro y blanco resplandeciente que retratan una historia que tiene lugar en los suburbios de Tokio. Detrás de esa pantalla, más bien a un costado, comienzan a surgir de manera sigilosa acordes delicados, formas sencillas que decoran con sobriedad las palabras acalladas, diálogos aplacados por el vacío que es el único sonido para el teatro representado tan sólo con imágenes que es el cine mudo. Mientras las visuales envejecidas continúan transfiriendo actos el ruido sutil forma tersas melodías orgánicas, sonidos que emergen desde las hendiduras que quedan entre la madera añejada, soplos cálidos que transmiten una sensación quieta. Cada espacio callado es cubierto por notas gráciles que se acomodan a las palabras intuidas, tonalidades débiles que desarrollan una historia donde pequeños murmullos son los actores en una escenografía de melodías delicadas, timbres y estruendos aislados. 0. Cero. Ensamble de cuerdas, metales, astillas, alientos leves y cadencias reposadas, estructura donde se desarrollan composiciones propias y se establecen nuevas lecturas para creaciones anteriores, un lugar donde concurren un grupo de músicos para una aproximación particular la música moderna. “0 es un colectivo de músicos franceses que comenzó en 2004. Los miembros principales están actualmente radicados en Bayonne (Francia) y Bruselas (Bélgica). Ellos interpretan sus propias composiciones así como piezas de otros compositores”. El núcleo esencial es Sylvain Chauveau, Stéphane Garin y Joël Merah. Unos cuantos trabajos suyos han sido editados, muchos por ellos mismos, como también por otras plataformas, tal es el caso de “Music Of Wheel” (Creative Sources, 2007). En este último apartado se encuentra su anterior obra, “Soñando” (flau, 2013) [272], álbum publicado por el sello japonés. “El ruido acústico florece con las hojas del patio aún lleno de verde y musgo adherido con fuerza a la tierra y el concreto, sobre el suelo horizontal o las paredes verticales. Su color se pierde lentamente y, en su relevo, aparecen otros tonos y otras vidas pasajeras que siguen adornando los espacios contaminados. Y, con ello, también surgen nuevos sonidos que florecen de forma espontánea, sonidos naturales que dan vida al ruido acústico ampliado por si mismo… ‘Soñando’ es el título de estos fragmentos orgánicos recogidos, así, en castellano. Una hermosa palabra. También podría haber sido ‘Sonhando’, en portugués, y habría sido un título igual de hermoso, igual de apropiado. Siete piezas que no exceden la media hora, construidas sobre una estructura eminentemente acústica, tanto que cada instrumento se basa en si mismo pata reproducir los tonos que en él se generan… Dentro de la constante movilidad de 0, Chauveau, Garin y Merah nos han entregado una reconfortante colección de agradables piezas que se sobreponen al rumor exterior, aminorando el copioso desplazamiento de sonidos con el brotar de notas frágiles, permitiendo que florezca el ruido acústico de tonalidades orgánicas”. Luego de un par de años es posible oír más de ese sonido ligero de 0.

Publicado en septiembre de este año, el nuevo trabajo de 0 es un ejercicio dónde se presentan los sonidos como acompañamiento a imágenes dentro de una sala, la musicalización de una antigua película en que se crean nuevas sonoridades para ilustrar un cine extinto. “Umarete Wa Mita Keredo”, creaciones a partir contemplar figuras desarrolladas hace más de ochenta años, en donde se crea una música inédita, inexistente en aquella época. 0 forman un entramado acústico en el cual se extienden unos pocos recursos y unas cuantas notas, resonancias sencillas donde cada punto ocupa su propio espacio, en medio de los lugares sin ser ocupados. Sylvain Chauveau construye una serie de obras breves en las que pequeños apuntes se inclinan de manera reposada en el suelo, superficies delicadas que emiten un sonido exquisito hilvanado con extremo cuidado. “大人の見る絵本 生れてはみたけれど Otona no miru ehon – Umarete wa mita keredo”, película del cineasta japonés Yasujiro Ozu (1903–1963), fue el punto de a partir del cual nace este trabajo. “La música en este álbum de 0 fue compuesta en 2013 para ser interpretada sobre una película muda de Ozu Yasujiro y presentada en el cine l’Atalante en Bayonne, Francia. Fue escrita por Sylvain Chauveau para los cuatro miembros estables y para cuatro instrumentos acústicos: dos guitarras, una flauta y un vibráfono. Los miembros de 0 que interpretan esta música son: Stéphane Garin: percusión; Jùlia Gàllego: flautas; Joël Merah: guitarra acústica, y Sylvain Chauveau: guitarra acústica. La música original es de noventa minutos de duración, la duración del film, pero especialmente para el formato de este álbum la banda ha decidido grabar una versión más corta, una selección de registros. A pesar que el film ocurre en Japón, Sylvain ha decidido mantener un poco de inspiración de la música japonesa, principalmente música tradicional para shakuhachi, koto y shamisen. El resto de la inspiración viene más de la música americana (Morton Feldman, Town And Country), e intenta permanecer lo más cerca posible de la estética acústica de 0 cómo en el álbum ‘Soñando’, anteriormente publicado por flau”. El músico francés concibe un conjunto de canciones para ser presentadas mientras se exhibía el film. Esta es su versión comprimida. Catorce piezas de folklore minimalista desarrollado por un colectivo que expone cada trazo con una delicadeza infinita, registros naturales en los cuales se ubican los sonidos de manera espontánea. “Umarete Wa Mita Keredo”, al igual que “Soñando”, muestra ecos leves en que la instrumentación real se despliega de manera auténtica, instantes que suceden y fluyen con una tranquilidad que absorben la mente hacia su centro rústico. Chauveau, junto a Garin, Gàllego y Merah dejan caer los apuntes de manera pausada, una traslación pacífica de ruidos maravillosos. Desde “Jùhachi” hasta “Nijù”, hebras entrelazadas de manera sobria, silencios que permiten que los objetos inhalen y exhalen su respiración acústica, el fragor externo inserto en los clavijeros, brisas ligeras circulando por la madera fina, estruendos minúsculos expulsados de las láminas de metal. Existen varios momentos a destacar (“Jùhachi”, “Nijùkyù”, “Roku”, “Nijùichi”, “Jùshichi”, “Nijùshichi”), sin embargo, cada uno de ellos es único y a la vez el mismo, formas similares tendidas en las imágenes y movimientos mudos, una expresividad desliada en suaves composiciones discretas.

La estética de este ensamble contemporáneo es desplegada impecablemente en esta obra, una muestra de las texturas gráciles dónde se percibe cada pequeño sonido que se encierra en su caja de resonancia. Partituras elaboradas por Sylvain Chauveau, exhibidas junto a Stéphane Garin, Jùlia Gàllego y Joël Merah en “Umarete Wa Mita Keredo”, delicados sonidos homogéneos que se trasladan de manera pacífica, anotaciones acústicas sobre imágenes silentes, música de cámara moderna construida a partir de un sobrio fragor minúsculo.

www.flau.jp, www.0sound.tumblr.com


404. Magical Imaginary Child
octubre 1, 2015, 12:00 pm
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Magical Imaginary Child

CHIHEI HATAKEYAMA + FEDERICO DURAND
»Magical Imaginary Child«
WHITE PADDY MOUNTAIN. 2015

Un brillo eléctrico emana de manera natural desde puntos ubicados en el borde de una vista extendida, anotaciones relacionadas de manera casual en medio de la atmósfera liviana, reflejos instrumentales que crecen cuando las horas decaen lentamente y el agobio externo se vuelve un agradable calor ligero. En torno a ese escenario cotidiano surgen unos sonidos reservados, contemplaciones de la jornada que comienza a descender, observaciones sosegadas sobre los recuerdos presentes. Baja el sol y aparecen líneas horizontales atravesadas por diagonales infinitas, un murmullo suave de armonías y ecos circulares que forman simples desarrollos donde cada registro individual se extiende hasta el límite de la periferia, al borde del suelo asfaltado. Son grabaciones capturadas durante instantes de separación con el tiempo y su avance irrefrenable, momentos en que los segundos se convierten en minutos y los minutos en horas, y donde un sencillo acorde se propaga eternamente con la mirada perdida, cuando un pequeño ruido viaje alrededor de un mismo punto espacial, dejando cada vez una impresión diferente en el aire, propagándose de manera desigual. Chihei Hatakeyama es, como probablemente todos ya sabrán, aquel músico de Tokio, también parte de Opitope, que crea soundscapes con varios materiales eléctricos y acústicos y que ha publicado un número importante de álbumes por diferentes sellos, principalmente a través de su propia empresa. Durante este año ya lleva seis trabajos publicados, “Mist” (White Paddy Mountain 2015) [367], “Five Dreams” (White Paddy Mountain, 2015), “Void VII” (White Paddy Mountain, 2015), “Moon Light Reflecting Over Mountains” (Room40, 2015), “Void VIII” (White Paddy Mountain, 2015) y “Frozen Silence” (White Paddy Mountain, 2015) [383], este último acompañado de Sakana Hosomi, “seis piezas en casi cincuenta minutos, seis instantes que exploran resonancias ambientales y espacios amplios, entre una masa extensa de sonidos dilatados. Largos panoramas (no tanto en duración) que habitan al interior de cada una de las composiciones, que las hacen parecer aún más prolongadas de lo que son, armonías quietas que varían levemente desde su centro, estirándose, moldeando el entorno de acuerdo a su movilidad pacífica, a veces removiendo las orillas rocosas… Chihei Hatakeyama y Sakana Hosomi crean “Frozen Silence”, una obra que permanece como una imagen en movimiento lento de las frías corrientes marinas, ruidos estáticos en mitad de los continentes líquidos”. Por otro lado, Federico Durand, aquel artista sonoro de Buenos Aires que emplea field recordings que recoge de su vida diaria, unidas a guitarras y cassettes, piezas entregadas a Spekk, Own, Desire Path y Home Normal. Uno de ellos es “La estrella dormida” (White Paddy Mountain, 2014) [345], “música hecha de pequeños objetos que trasmite esa naturaleza ínfima a sus piezas de ruido minúsculo. Estrellas que duermen y luces que se apagan, reflejos de un sol pálido que adquiere color conforme las horas se desplazan. Un murmullo de sonido rugoso, una superficie desigual que se puede palpar en cada una de ellas, un ruido imperfecto que sirve de suelo donde se apoyan esos acordes. Loops imprecisos sobre un plano borroso, las notas se repiten encima de la acústica delicada formando unas estructuras de cristal roto. A menudo parecen prólogos de composiciones mayores, quedándose en un esbozo de algo que podría ser, dejando una extraña y agradable sensación en el aire”. Ambas formas de intervenir el sonido se entrelazan para producir una obra de formas leves, ruidos y armonías inmóviles.

“Magical Imaginary Child” es la primera realización conjunta entre estos dos músicos, un encuentro en el cual se despliegan las distintas maneras que cada uno tiene de producir sonidos. Aunque, sin embargo, este primer esfuerzo es solo una opción creada con un arsenal reducido de herramientas, un sistema sencillo en donde lo importante es permitir que los resultados de estas sesiones momentáneas crezcan de modo natural. Editado a través de White Paddy Mountain, un sello presente de manera regular en estas páginas, el álbum es una reunión de impulsos diferidos en que conviven formatos orgánicos que emplean energía para poder expresarse, una serie de anotaciones producidas en el transcurso de una estadía breve y que se difunden de modo amplio por las corrientes aéreas. Chihei Hatakeyama y Federico Durand elaboran un trabajo de reverberaciones ambientales que crecen de manera indefinida en el espacio, dejando rastros vaporosos de polvo y partículas ínfimas, piedras pulverizadas flotando, brillando levemente. “Inspirado por una pequeña estatua de Buda en un templo en el vecindario cercano al hogar de Hatakeyama, ‘Magical Imaginary Child’ es la primera grabación colaborativa entre Hatakeyama y Durand. Teniendo como fuente únicamente una guitarra eléctrica (Chihei Hatakeyama) y cintas de cassette (Federico Durand), este álbum fue grabado en marzo de 2014 en la casa de Hatakeyama durante la gira por Japón de Federico Durand. Estos cuatro trabajos son verdaderas meditaciones y sonidos poéticos”. La fotografía tomada por Chihei muestra aquella estatua cercana a su hogar, lugar donde finalmente se registraron las planicies etéreas que inundan esta obra. En las paredes donde habita el músico japonés tuvieron lugar los encuentros, hace un año y medio atrás. Grabaciones caseras llenan los vacíos, composiciones espontáneas surgidas de la unión de materiales básicos. Chihei Hatakeyama desarrolla una serie de acordes pausados en su guitarra, arpegios delicados donde sólo unas cuantas pulsaciones provocan duraderos sonidos que se esparcen uno sobre otro. Por su lado, Federico Durand urde melodías infinitas a través de cintas enlazadas, láminas delgadas plegadas que van desprendiendo partículas químicas de ruido, armonías quietas que establecen circuitos cerrados. Por medio de sus movimientos repetidos se forma una música maravillosa, órbitas minúsculas y notas que irradian calor templado. Cuatro piezas derivan de esta unión, imágenes que observan como el tiempo avanza mientras a través de ellas su efecto se retarda. Sonoridades imperfectas, loops que emanan un brillo grisáceo, cuerdas que emiten melodías disueltas en líquido. “María”, doce minutos de una música que retorna sobre el mismo lugar, trayectos estancados que nunca son iguales. El carácter sombrío de este primer registro se vuelve claridad en “Nami”, melodías diáfanas y texturas lisas aunque con pequeños trozos desiguales. Los objetos se inmiscuyen en el interior de “Cordelia”, un lento torrente de ideas cubiertas por cuerpos extraños, elementos que cruzan las mareas ambientales que son expelidas de la guitarra. “Tove” no es más que luminiscencia, destello borroso que trasciende la realidad de cuerpos discontinuos, apuntes deslizados suavemente por el terreno algo abrupto. Los instrumentos se callan, sin embargo, estas piezas persisten en el aire, más allá, como un eco ancestral.

“True meditations and poetic sounds”. Cuando la jornada diaria se pierde en las horas tardías, surge un brillo diferente, el reflejo retardado del calor que antes cubrió el suelo. Chihei Hatakeyama y Federico Durand construyen en “Magical Imaginary Child” panorámicas extensas de sonidos dilatados, cuerdas que atraviesan el terreno hasta su borde y loops contaminados que filtran sus partículas de ruido en las imágenes amplias. A través de una prosa sencilla y un ruido austero, se crean hermosos paisajes de radiación tenue.

www.whitepaddymountain.tumblr.com, www.chihei.org, www.federicodurand.blogspot.com